60年代、黒人音楽としての「ファンク」の概念をジェイムス・ブラウンが創造してから、スライ＆ザ・ファミリーストーンはロックをベースにしたダンス音楽としてのファンクを構築し、ロックのリスナーを中心に白人にも広まっていく。彼らの尽力や『ソウル・トレイン』などのテレビ番組の効果もあって、70年代にはアース・ウインド＆ファイアーやオハイオ・プレイヤーズなどのファンクグループが続々と登場する。パーラメントとファンカデリックのふたつのグループを主宰するジョージ・クリントンは、JB譲りの硬派のファンク（パーラメント）とロック的要素が強い実験的なファンク（ファンカデリック）で勝負していたが、70年代後半になるとダンスに特化したディスコ向け音楽が世界的な隆盛を極めていく。当初は黒人特有のグルーヴがファンク音楽の魅力であったが、やがてシンセと打ち込みを多用したヨーロッパのディスコ音楽が流行し、ファンクは単なるダンス音楽の一ジャンルだと認識されるようになる。1980年に本作『ザップ！（原題：Zapp）』でメジャーデビューしたロジャー・トラウトマン率いるザップは、あえてシンセや打ち込みを使い、デジタル世代のファンクだけでなくヒップホップのアーティストにも影響を与えるなど、次世代の黒人音楽に大きな貢献を果たした。

1973年、豪華なゲスト陣を迎えて、ソロデビュー作にもかかわらず燻し銀の渋いアルバムを作り上げたマリア・マルダー。『オールド・タイム・レイディ（原題：Maria Muldaur）』は、普通のヒットアルバムとは少々趣を異にする。本作は売れるか売れないかではなく、アメリカンルーツをとことん追究し、自分が納得できる“良い作品”を生み出すことだけを考えて制作された出色の作品なのだ。彼女の音楽をソロデビュー前から知る者には驚きであっただろうが、都会的なテイストを持つ「真夜中のオアシス（原題：Midnight at the Oasis）」が大ヒット（全米6位、全英21位）し、一躍彼女の名は世界で知られるようになる。とりわけ、アーティストたちの間で彼女の艶やかな歌とバックの演奏のすごさが囁かれ、彼女は瞬く間にミュージシャンズ・ミュージシャンとなった。もちろん、それは現在においても変わらず、マルダーはアメリカを代表するシンガーのひとりとして数多くのアーティストたちから大きなリスペクトを集めている。この6月には9年振りに来日を果たし、元気な姿を見せてくれた。

1968年にリリースされた本作『スーパー・セッション』こそ、ジャムセッションという概念をロック界に定着させた最初の作品であり、実際にジャムセッションを通して、後のロックアーティストたちの演奏技術が大幅にレベルアップすることになった。仕掛け人は天才アル・クーパー。これまで、このコーナーでは彼が関わった数枚のアルバムを取り上げてきたが、60年代後半から70年代中期にかけて彼がロック界に残した功績は非常に大きい。それまで歌のバックを務めることがメインであった楽器群にスポットを当て、各プレーヤーに演奏することの重要性に気付かせ、即興演奏や高い表現力を求めることになった。本作の存在によって、ロックの進化の方向性が決まったと言っても過言ではない。ロック史に残る最も重要なアルバムのひとつだろう。

1979年にリリースされたAC/DCの『地獄のハイウェイ（原題：Highway to Hell）』は、今年の7月でちょうど40周年を迎える。前作の『パワーエイジ』と本作でサウンドが確立したことでも知られるが、完成度の高さで言えば彼らの数多い作品の中でもトップクラスである。世界中に数え切れないほどのファンを持つAC/DCだが、なぜか日本での人気はそう高くない。狭い日本では家でロックが大音量で聴けないことが理由のひとつかもしれないが、最近ではマーベルのファンが激増しているので（海外ではマーベル好きにAC/DCファンは多い）、この40周年で盛り上がるかもしれない。なお、本作の40周年を記念して、首都圏などではいくつかのイベントが準備されている。

70年代からロックを聴いていてギターが好きなリスナーなら、ロイ・ブキャナンの名前は1度は耳にしたことがあると思う。当時の大物ギタリストのインタビューなどでも彼の名前は登場するし、日本盤もリリースされていたので、彼に興味を持っていた人は少なくなかっただろう。ただ、彼のアルバムにはギター中心のインストが多いせいか、はたまたカントリー、ブルース、ロック、ジャズまでジャンルを問わないからか、一般のロックファンが注目することはあまりなかった。しかし、彼の多彩なギターワークによってロックギター全体の技術がレベルアップしたことは間違いない。今回紹介する『ライヴ・ストック』は彼の初のライヴ作品で、スタジオ盤のクールさとはまた違って、魂のこもった熱いプレイが繰り広げられている。

60年代中頃、日本で一大ムーブメントを巻き起こしたエレキブームは、加山雄三や寺内タケシらの活躍によって、後のGS（グループサウンズ）の誕生やアマチュアミュージシャンの増加に大きな役割を果たしたと言えるだろう。その最初の火付け役となったのが、今回紹介するザ・ベンチャーズだ。当時の日本での彼らの人気は圧倒的で、海外で爆発的な人気があったビートルズ以上だった。この７月27日から９月11日まで、全国30カ所に及ぶザ・ベンチャーズ結成60周年の記念公演が行なわれる。とはいうものの、65年から現在に至るまで彼らは年に１回以上の来日をしており、日本人アーティストよりも公演回数は多い。「いつでも観ることのできる外タレ」は、いつの頃からかありがたみがなくなったのも事実である。毎回観に行くほどの熱狂的なファンは今でも少なくないが、昔からのファンの高齢化は確実に進んでいる。しかしながら、最近では若い人も増えてきている（家族ぐるみのファン）ようだ。また、ザ・ベンチャーズのコピーバンドは全国津々浦々、老若男女を問わず驚くほど多い。ベストアルバムを含めると100枚以上の作品の中から１枚を選ぶというのは困難な作業であるが、今回は絶頂期とも言える白熱した演奏が味わえる『ザ・ベンチャーズのすべて』（2枚組）のCD化『コンプリート・ライヴ・イン・ジャパン ‘65』を取り上げる。

今年で結成45周年を迎えるバッド・カンパニー。74年のデビュー作『バッド・カンパニー』から82年の6thアルバム『ラフ・ダイアモンド』まで、レッド・ツェッペリンが設立したレーベル、スワンソング・レコードからリリースされたアルバム群が、この8月にボックスセットで発売（『ザ・スワンソング・イヤーズ1974-1982』）されることになった。

90年代初頭、アメリカのロック界に登場したのがオルタナティブカントリー（以下、オルタナカントリー）と呼ばれる音楽で、これはパンク世代の若いミュージシャンが自分たちの音楽を表現するために方法論的にカントリーを取り入れたものであり、もちろんそこにはパンクロックが持っていたアナーキーな精神が包含されていた。今回紹介するジェイホークスは厳密に言えばオルタナカントリーのグループではないが、オルタナカントリーのムーブメントの中から登場してきたことは確かである。彼らのメジャーデビュー作『ハリウッド・タウン・ホール』（‘92）は70sフォークロックやカントリーロックをベースにした音楽性を持ちながらも、90sのオルタナティブらしさを感じさせる紛れもない傑作である。主要メンバーのマーク・オルソンとゲイリー・ローリスの手になる切ないまでに美しい楽曲群と、グラム・パーソンズ＆エミルー・ハリスを想起させる彼らふたりの青臭いツインヴォーカルが実に素晴らしい。

ハードロックをはじめ、後のヘヴィメタルのプロトタイプとなったアルバムがディープ・パープルの『ディープ・パープル・イン・ロック』だ。レッド・ツェッペリンやブラック・サバスに比べられることも多いパープルだが、彼らとパープルには決定的な違いがある。ツェッペリンやサバスには、当時人気のあったクリームやジェフ・ベック・グループと同じように、ブルースやR&Bといった黒人音楽の影響が少なからずあった。しかし、パープルはプログレッシブロックのグループのようにクラシックからの影響を受けており、ブルースベースではないリッチー・ブラックモアのシンプルで覚えやすいリフが特徴で、ロックそのものをルーツにしたまったく独自のスタイルを持っていたのだ。異論はあるだろうが、シンプルなリフを中心にしたHR／HMの様式美を初めて形にした作品は、ツェッペリンでもブラック・サバスでもなく本作だと僕は考えている。というわけで、今回はディープ・パープルが1970年にリリースしたロック史に残る名作『ディープ・パープル・イン・ロック』を取り上げる。

スライドギタリストの頂点に立つデレク・トラックスと、彼の妻でブルージーかつパワフルなヴォーカルを聴かせるスーザン・テデスキのふたりがリーダーを務めるテデスキ・トラックス・バンドは、70年代アメリカのスワンプロックやブルースロック、サザンロックに影響を受けたグループ。ちょうど今、彼らは来日公演の真っ只中で、多くのロックファン（特に中年以上）を魅了しているに違いない。というわけで、今回は2011年にリリースされたテデスキ・トラックス・バンドのデビュー作『預言者（Revelator）』を取り上げる。確かなテクニックに裏打ちされた彼らのアーシーなグルーブ感は、70’s前半のスワンプロックと90’sジャムバンドをミックスしたような特徴がある。70’s前半のルーツロックを知らない若い人にはぜひ聴いてもらいたい秀作だ。

今ではすっかり忘れられているが、ジェリー・ジェフ・ウォーカーやトム・ラッシュといったシンガーソングライター（自作自演歌手）たちは、まだ世間には認知されていないが良い曲を書く同業者を発見する鋭い感性を持っていた。今回取り上げるガイ・クラークは、彼らによって紹介され世に出たシンガーソングライターである。

テキサス・ローカルで活動していた白人ブルースマンのスティーヴィー・レイ・ヴォーン。南部音楽を世界に広めた敏腕プロデューサーとして知られるジェリー・ウェクスラーの推薦で82年の『モントルー・ジャズ・フェスティバル』に登場、そこからスティーヴィーの破竹の歴史が始まると言ってもいいだろう。そのステージを見て彼を世に出したいと動いたのがデビッド・ボウイとジャクソン・ブラウンだ。ボウイは自身最大のヒットアルバム『レッツ・ダンス』のギタリストとしてスティーヴィーを全面的に起用し、そのおかげでスティーヴィーの名前は一挙に知られることとなった。一方、ブラウンはというと、自分のスタジオをバンドのリハーサルに使わせ、その時の録音がスティーヴィーのデビュー作となる『テキサス・フラッド』につながったのである。今回はスティーヴィー・レイ・ヴォーン＆ダブル・トラブルの2作目で、ジミヘンの「ブードゥー・チャイル（スライト・リターン）」のカバーを収録するなど、デビュー作と比べるとよりロック色が濃く出た『テキサス・ハリケーン（原題：Couldn’t Stand The Weather）』を取り上げる。

ジェニファー・ウォーンズは、映画のテーマ曲「愛と青春の旅だち（原題：Up Where We Belong）」（ジョー・コッカーとのデュエット、82年）や『ダーティー・ダンシング』の「タイム・オブ・マイ・ライフ」（ビル・メドレーとのデュエット、87年）で日本でもよく知られているが、どちらもデュエット作のせいか、彼女の芸術的歌唱力が十分に発揮されているとは言えない。しかし、今回取り上げる彼女の4枚目のアルバム『ジェニファー・ウォーンズ』（’77）には、その魅力が十二分に詰まっている。楽曲の良さ、アレンジ、歌の表現力、ハイレベルの歌唱力など、どこを取っても文句なしの仕上がりだ。本作はAORに分類されることが多いが、ジャンルに関係なく洋楽が好きな人なら誰もが納得できる名盤に仕上がっている。

70年代中期に登場したパンクロックは、巨大化したレコード産業へのアンチテーゼであった。たった数年のムーブメントではあったものの、多くの音楽システムを瞬く間に破壊した。そんなパンクも結局は大手レコード会社に吸収され終焉を迎えてしまうが、パンクの精神は若者たちの心に浸透していった。70年代末からのポストパンク時代には、スカ・リバイバル、エスノロック、ワールドミュージック、ニューウェイブ、テクノ、アンビエント、ネオアコなど、多くの新しい音楽が現れ、好奇心旺盛なリスナーにとっては楽しくわくわくする時期であった。テクノ系が主流となった80年代、商業主義に迎合しない若手のアーティストたちはインディーズでの活動を選んだ。そんなアーティストたちの受け皿として、英米を問わずインディーズレーベルの逆襲が始まる。今回取り上げるドゥルッティ・コラムの『LC』は、イギリスのマンチェスターにあるインディーズレーベル、ファクトリーからリリースされた2作目のフルアルバム。彼の音楽を聴いていると繊細で淡い色合いが見えるような絵画的印象が強く、他の誰にも似ていない傑作に仕上がっている。

一般的にフュージョン黎明期とされる70年代中期は、傑作が多くリリースされた年だ。ジョージ・ベンソンの『ブリージン』（‘76）をはじめ、リー・リトナー『キャプテン・フィンガーズ』（’77）と『ジェントル・ソウツ』（‘77）、マイケル・フランクス『スリーピング・ジプシー』（’77）、アル・ジャロウ『グロウ』（‘76）、アール・クルー『リビング・インサイド・ユア・ラブ』（‘76）、ウェザー・リポート『ヘヴィ・ウェザー』（’76）、ジャコ・パストリアス『ジャコ・パストリアス』（‘76）など、どれもお洒落で都会の夜が似合う名盤たちである。これらのアルバムと同時期にリリースされたのが、スタッフの『スタッフ』とクルセイダーズの『南から来た十字軍（原題：Those Southern Knights）』で、どちらも76年のリリースだ。同じフュージョンでもスタッフとクルセイダーズはあまり都会的ではない。どちらかと言えば、南部的ないなたさが感じられる汗臭いサウンドが売りであったが、特に今回紹介する『南から来た十字軍』は、泥臭いヘヴィ級のリズムセクションに対して、繊細で洒脱なギターとエレクトリックピアノのインタープレイが素晴らしく、ポピュラー音楽史に残る名演が繰り広げられている。

パンクロックとAORが登場した70年代中頃からシンセポップやディスコサウンドが隆盛を極めた80年代中頃まで、音楽市場はラウド・お洒落・ダンサブルなものが主流で、人間味のあるシンプルなサウンドや歌声がメディアで紹介されることは少なかった。そんなご時世に、アコースティックギターを持ち、詩的で社会性のある歌を淡々と弾き語りながら登場したのがスザンヌ・ヴェガであった。彼女が85年にリリースしたメジャーデビュー作『街角の歌（原題：Suzanne Vega）』は、まずイギリスで収録曲の「マレーネの肖像」が大ヒット（全英シングルチャート21位）、アメリカでもCMJ（カレッジ・ミュージック・ジャーナル）で上位にチャートイン、同曲のPVがMTVでもヘビーローテーションされるなど、大きな話題となった。

ロバート・ジョンソン、マディ・ウォーターズ、ジェームズ・ブラウン、マイルス・デイヴィスなど、ロックの進化に多大な影響を与えた黒人アーティストは星の数ほどいるが、キング・カーティスも大きな影響をロックに与えた人物のひとりだ。中でも、彼のバックバンドで知られるキングピンズが繰り出すグルーブは、ロックにおけるリズムの可能性を広げることになった。彼らのプレイは現在の若いアーティストにも影響を与え続けている。そんなわけで今回はキング・カーティスが71年にリリースした『ライヴ・アット・フィルモア・ウエスト』を取り上げる。特に本作に収録されている「Memphis Soul Stew」は50年近く経った今でも全く古びておらず、いつ聴いても鳥肌が立つ名演中の名演だ。

ムーディー・ブルースはメロトロンやサウンドエフェクトをよく使うからか、プログレッシブロックのグループと見られがちだが、実はそうではない。彼らはあくまでも美しいメロディーを生かすために当時の先進的な道具を使っていたのであって、プログレッシブロックを目指していたわけではない。キング・クリムゾンやイエスらとは立ち位置がまったく違うのだ。今回取り上げる7枚目となる『童夢（原題：Every Good Boy Deserves Favour）』を聴けば、プログレというよりポップでフォーキーなスタンスが彼らの持ち味であることが理解してもらえるはずだ。日本では本作で彼らの人気に火がつき（オリコン7位）、他の作品も聴かれるようになり、シングルカットされた「ストーリー・イン・ユア・アイズ」は毎日のようにラジオでオンエアされていた。本作は全英チャートで1位、全米チャートでも2位と大ヒットした彼らの代表作のひとつである。

ボズ・スキャッグスと言えば大ヒットしたAOR作品『シルク・ディグリーズ』（’76）が代名詞のように思われがちだが、そもそも彼は都会的なR＆Bが得意でAORという言葉がない70年代初頭から、『モーメンツ』（‘70）『ボズ・スキャッグス・アンド・バンド』（’71）『マイ・タイム』（‘72）といったアルバムで洒落たポップソウルをやっていたのである。しかし、その少し前の69年に彼がアトランティックからリリースしたソロ2作目の本作は、ブルースやカントリーをベースにした泥臭いルーツ系の音作りが特徴で、彼のバックボーンがよく分かる滋味深い仕上がりになっている。今回はアメリカーナのはしりとも言える『ボズ・スキャッグス＆デュアン・オールマン（原題：Boz Scaggs）』を取り上げる。

78年にセックス・ピストルズが空中分解し、メンバーのシド・ビシャスが亡くなった時点でパンクロックは一応の役目を終えた。“一応”というのは、パンクの精神はその後も生き続け、ハードコア、グランジ、オルタナティブなど、表面的にはさまざまな形態に変異しながらも、その精神はしっかり引き継がれているからだ。ジョン・ライドン（元ジョニー・ロットン）はピストルズを抜けた後、ジャマイカに行き新しいグループの構想を練った。そして、イギリスに戻って結成したのがパブリック・イメージ・リミテッド（以下、P.I.L）である。今回取り上げる『セカンド・エディション』は彼らの2ndアルバムで、当初は『メタルボックス』というタイトルでリリースされた。ダブ（DUB）を取り入れた硬質のファンクサウンドに乗ってライドンの歪んだ叫びが響く様は、まさに異形という言葉が相応しい唯一無二のサウンドである。